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邵慧良

《写意:中国画发展方向》作者

 
 
 

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邵慧良著《写意:中国画发展方向》更正部分:p37,7行“写意画”删除。p63,6行“可及”删除。p129,15行“他”易为“林散之”。p287,20行“。”易为“,”,21行“马蒂斯”易为“罗斯科”。

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节录《写意中国画发展方向》——百年中国画坛(之四)2012.9稿  

2014-06-06 23:26:14|  分类: 写意方向》摘 |  标签: |举报 |字号 订阅

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3、时下官方展览的弊端

国字号的中国画为争取自己的身份,曾伴随着特殊年代的非常时期,成为参与社会、宣扬某些意识形态的政治工具,中国画由原来清高脱俗的写意转而走上了再现性写实主义的道路,叙事性主题创作作品也从此应运而生。黑暗旧社会的血泪史,战争时期的“流民图”,新中国成立之后人民当家作主的“旧貌变新颜”,革命圣地的高山仰止,社会主义改天换地的动人场面,丰收图,红梅赞,向日葵等等等等是当时人们耳熟能详的画面。但这种所谓“新中国画”由于材料的规定性与局限性,不单如前述的有破烂、僵滞与浅俗低能的现象,传统中国画原有的高华气息更是一落千丈。只是虚假甜腻的粉饰!如今,那些所谓揭露与粉饰的写实性绘画作品,早已时过境迁,烟消云散了。

但遗憾的是那种所谓写实性绘画的手法在当下仍占主导地位!这是什么原因呢?这是因为官方展览的缘故。官方展览虽有突出主旋律,提倡百花齐放的开放性的方针,但事实上林风眠现代写意性的绘画被刷,事实上展览的主旨是要以绘画来叙事,来造作一个清明世界。这不明摆着仍然把艺术政治化,仍然像特殊年代非常时期那样,将中国画作为意识形态的附庸、宣传工具来对待,这是何等的官方展览?!不要忘记,文革中艺术的政治化,曾经坑害了多少艺术家,艺术和艺术家的尊严被肆意践踏!至今我们还心有余悸。举例说,我的老师陈大羽,他善画翘尾巴的大公鸡,他曾以公鸡与迎春花为题材画的《迎春》图,被“四人帮”及余党诬为是一小撮极端仇视今天社会的“复辟狂”的阴暗心理的呈现。因此受到严厉批判,被视为反动画家,差点被整死,差点上吊自尽,好在有刚刚被平反的江苏省委书记彭冲作庇护。从此后,他就害怕画公鸡,怕“翻案”,再后来想把公鸡尾巴藏在笼子里,但又担心窥探方向,伺机出笼,弄得老画家不知如何是好。今天我们认识到文革是一场“文化浩劫”。文革把艺术与政治联系,把艺术作为意识形态的附庸、宣传的工具,不知造成了多少冤案。文革结束,拨乱反正,给艺术家作了平反,可如今仍然将艺术活动与政治挂钩。

殊不知在媒介与网络发达的今天,根本就不再有叙事性绘画的空间,更不能愚蠢地去做所谓纪实性--虚情假意欺瞒性的东西。叙事性的东西完全可由数码相机来尽其职能。记得我在美国纽约联合国总部展厅,看到了一张美国总统奥巴马一家生活和谐幸福的照片。也看到了一张路边躺着一具尸体,商店墙壁上有许多弹孔,一辆公交汽车从这里经过,汽车上的所有乘客,没有表情,麻木不仁的照片。同时,也看到了我国“汶川5.12”大地震后一刻恐怖的场面:整齐的人头一排一排地露出沙面,分明是豆腐渣工程造成了一帮中学生在地质灾害中无故地死亡,令人震惊、痛惜、扼腕、毛骨悚然,这种由照相机拍摄下来的照片,可以起到警示作用。在“汶川5.12”地震现场我们的新闻记者也确实用相机,记录下了许多可歌可泣的动人场面,可我们的美协工作者即时所制作的所谓抗震救灾的画儿又怎么样呢?除了比照片多了些笔触,剩下的便是令人恶性的虚假造作,这是什么样的主题创作!    

我们的美术馆--美术馆本来应该是学术交流的圣地,很干净,一尘不染。但目前美术馆事实上成了一个虚情假意的展览场所,这似乎有些耸人听闻,但事实就是如此。

问题的根源在于展览的导向。这是问题的一个方面,另外还有一个方面,更让人哭笑不得,竟将入选这种非学术的官方展览,与晋升职称,加入美协直接挂钩。这就触及到很实际的问题,促使想参与的画家不得不采取叙事性的虚假造作,不得不向所谓写实性绘画的道路上走。画家们很自然、清醒地认识到,即便是齐白石、黄宾虹、林风眠、潘天寿、石壶及傅抱石在世,他们要参展,肯定会被锯。说出于功利罢或出于无奈也罢,总之,时下与写意性相左的写实性绘画的手法在官方的作用下仍占着主导地位。

更糟糕的是画家们为了能参加上展览,不得不忖度如何突出主旋律,如何歌功颂德,它往往不是发自内心,而是言不由衷,所以作品总显得虚假苍白。我们认为,真正优秀的艺术作品之诞生,都是作者真诚感情的倾吐,感到非吐不快,非画不可,不可抑制,这才是事艺术之正途,它毫无功利目的性,若一沾上,便就虚情假意了。这种类型的官方展览,同时还会滋生画家的投机心理(注:这种机制不但不能致使艺术家把精力集中于创作,反而助长其投机钻营,沾染上江湖味。当然任何地方,任何领域,“只要有人就有江湖”(我女儿语),但起码不以此为荣,不以此来搅浑艺术界,名副其实(有学术)的真正艺术家有尊严可言)。作为希望参加官方展览的画家,会为迎合评委的口味而画画,并随着评委的变化而变化,或揣摩上一届获奖的作品,或索性摸仿其获奖作品,可想而知展览的面貌如何了。据说,在中国美术馆,有一位德国画家高度赞扬了一次全国性美展,他认为,一个画家居然能画这么多画,不得了!可见,这是何等的全国美展。由此说明中国画家的画没有自己的风格,没有个性,千篇一律。现在全国美展,有水平、有个性的上不了。难怪吴冠中在《琼林宴》中感叹“琼林宴呵,李白、杜甫、吴敬梓、曹雪芹都无缘参与!”(见《吴冠中文集2》P194,文汇出版社,1998年)当然,有的也不屑。这是值得我们反省的大问题!这种类型的官方展览,还有一个严重问题,就是作品参展,需要层层筛选,各地美协领导(既是运动员又是裁判)就因此成为霸山头(包括对留学学成回来的压制)、弄权术的魁首,“顺我者昌,逆我者亡”,最后到了权威们眼前所呈现的是些什么样的作品,这就无需多说了。

从历史的角度来看,将美术作为叙事性主题进行创作,本来就是一个非常性事件。在美国也曾有过强化主题的创作,但只是在经济崩溃时期,志在确立自信与奋斗精神,这种非艺术因素的强化,只能是社会环境不得已之际的选择。而艺术的发展轨迹,毕竟是以它的纯粹意义而展开的,美国的抽象性艺术与中国的写意精神才是其艺术的主流文本。确实,非常时期需要由绘画来起宣传作用,但通常情况下,绘画艺术史的意义就是艺术家不断以新的视觉心理美感来启迪人们新的审美观念。叙事本来是文学、影视的范畴,是中国画本来就无法胜任的事,现实主义题材现在完全可以由数码摄影来承担。中国画讲诗情画意,追求高华境界,这才是它的本事。

行文至此,面对时下左一届右一届、各种名堂的所谓官方美展,我们不禁要问:那些所谓政治化水平很高的作品,有多少艺术价值?主题创作除了制造垃圾还能是什么?那种艺术的政治化—以艺术的名义搞政治,或以政治的名义搞艺术,以健康向上的现实主义的名义,行使粉饰现实之功能—有的甚至为了牟取商业利益,捞取钱财的某些所谓官方美展—那种美术界艺术与政治业已成为了画家与政治家一体两面一道玩着的太极怪圈,何时能了,何时是个尽头?!(注:经常耳闻某某又获奖了,我向来不以为然,只是交钱参展参评所获得的罢了,这是竞争机制与实用主义带来的现象,但这样一来,就把一些本来不错又爱好这个专业的人给糟坏了,浮躁、膨胀而狂了。当下学术风气之不正,某些协会、学会是要负这个责的。前些日子,有人赠送我一本《中国传统美学大师》的书,印得很精美,初以为是朱光潜、宗白华等大师的文字著作,狐疑大师之作为何这么薄,映入眼帘的分明是画册,出于好奇即刻一翻,果然是画册。里面是范曾、刘大为、吴冠中、沈鹏四位名家的书画作品,而另外一位冠著其前的让我想不到的居然就是他本人,真让我吃惊,真看不出来在我身边江城这个小小的城市还有一个中国传统美学大师,可以推想在京城大师满街走应不是虚言。这分明又是竞争机制与实用主义带来的现象)

再试问:我们现在的美术馆能让老百姓向往吗?如果说西方教堂已随着科学的进步日益丧失昔日宗教的力量,我国佛殿、道馆赋予了太多的功利色彩,那么我们现在的美术馆本当该成为现时人们休闲、陶冶--替代宗教--心灵--在这里得到慰藉或增添力量—朝圣般的圣地----进美术馆(与欧美一样),人们是为了欣赏高雅艺术作品,然而如今我们的美术馆的作品老百姓不屑。因为他们进美术馆一如文革时期进入公园,感受不到公园气息,只是什么“抓革命促生产”等的标语。对此我们不禁又要问:如今美术馆的作品老百姓不屑,我们的美协、美术馆及美术家是否负有不可推卸的责任?

以上所说似乎过于强烈,过于偏激。我们可以退一步说,艺术与政治挂钩可由艺术家自身来选择,而不能强行将艺术政治化,更不能将之作为唯一学术标准,作为加入美协,评定职称的硬条件来促使艺术工作者就范。

现在,有个不争的事实,就是我们的歌唱界,不断涌现出好的歌手与好听的、动人心弦的歌,这是什么原因?就是因为他们迅速从原来政治化的格局中被解放了出来!

我们认为,我们的美术界,如果不解除艺术的政治化与政治化的非学术性展览,我们将越来越远离民众,越来越落后于欧美及非洲。这就是说,我们只有从现有的艺术的政治化的格局中解脱出来,才能使美术真正走上健康、正常发展的道路,才能使画家真正从心灵深处的感情世界去进行美术创作,才能真正从学术方面来探求,才能改变当下我们艺术质量低下的局面,才能促进艺术事业蓬勃向上的发展势头。

李可染在“成立中国画研究院意义”的札记中说:“画家的条件:①艺术水平;②高尚品质,要警惕那些争名争利的野心家钻进来。”(《李可染论艺术》P228,人民美术出版社,2000年)作为已入古稀之年,深受文革之害的李可染,中国艺术研究院的首任院长(这是名副其实的院长),讲的多么直接,多么朴实。我们要警惕那些争名争利的野心家钻进来。而现在争名争利似乎是一种进取精神,倒是艺术的政治化机制滋生出了的政客(不是政治家)真让人气短,他们有权,在他们眼里什么专业不专业水平不水平资格不资格的,唯我独尊,可以想象作为一个美术工作者现在的心境如何。

中国美术要走上健康发展的道路,我们认为必须依据其专业特质制定科学完善的人事制度及教育与展览机制,即首先作为美术的执掌者必须是公认的专业拔尖人才,这种人才不但需要德高望重,同时又需要具有开放与包容之心。比如像林风眠式的人物。其次展览与教育机制需放眼世界,学习人家,汲取人家的优秀成果。展览形式完全可以采用法国秋季沙龙那一套(美术家应该是以新的艺术观念,包括新的视觉方式引领大众的人物)。至于教育形式,应采取自由开放性。据《南方周末》2010年6月12日一篇报道提及:台湾有位国立杭州艺专毕业的李仲春先生开了一家美术咖啡馆,在咖啡馆里和人聊天,教人画画,他培养的艺术人才,超过了台湾师范大学美术系50年里培养的人才,成了一个奇迹,这是值得我们好好反思的。

2014.06续述 :我们认为,我们目前必须从根本上改变美术人才培养的体制——这样也许能改变、赶上甚至超越欧美及非洲。其美术人才培养,可以参照舞蹈人才培养的模式,即小学生小学毕业后,设置专科学校,让具有美术天赋又热爱美术的学生投考学校,在里面不妨设中专与大专,大专之后升入本科,本科毕业后愿意往理论方面发展的再升入研究生、博士生。我们认为,中学的数理化等课程对艺术不但没有用,相反起着扼杀艺术人才的作用。毕加索害怕数学课,老把“2”字当鸭子。徐志摩、钱钟书、季羡林的数学都不行。当下人人皆知的网络风云人物马云(创意达人)也是数字的低能儿。什么都懂一点的人本来就不是什么人才,也未必就是什么未来的大才。这里顺便需要强调的是本科以前的艺术人才培养课程中文化修养包括史论应占有其一半。

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